Las mujeres reciben cada vez más atención en el mundo del arte: los museos organizan cada vez más retrospectivas de artistas femeninas y la cuota de mercado para los puestos femeninos está aumentando en el comercio minorista. Para las feministas, ¿sigue existiendo la “cuestión femenina”?
Las mujeres en el arte siguen avanzando a nivel institucional: los grandes museos les dedican retrospectivas y se redescubren posiciones históricas y marginadas. En 2025, Helen Frankenthaler (el Kunstmuseum de Basilea acogerá una gran exposición a partir del 18 de abril de 2026) y Ruth Asawa (también en el Museo Guggenheim Bilbao a partir del 19 de marzo de 2026) fueron homenajeadas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Con Lygia Clark y Yoko Ono en Berlín, Leonora Carrington en Milán, Michaelina Wautier en Viena y Artemisia Gentileschi en París, se ha celebrado a artistas que han sido subestimados o pasados por alto durante décadas.
Además de redescubrimientos y reevaluaciones, el programa también incluyó posiciones explícitamente feministas: el Museo Nacional de la Mujer en las Artes de Washington presentó el colectivo Guerrilla Girls, que lleva décadas abordando las desigualdades en el mundo del arte, mientras que la Galería Hayward de Londres estuvo dedicada al artista de collage punk británico Linder Sterling. Con punk, performance y provocación, Vaginal Davis se presentó en el Gropius Bau de Berlín, que combinaba activismo queer y contracultura negra.
La exposición “Mujeres artistas de Amberes a Ámsterdam, 1600-1750” en el Museo de la Mujer de Washington arroja nueva luz sobre el período barroco desde una perspectiva femenina. Y mientras los “¡artistas!” Presentado en el Kunstpalast Düsseldorf con signos de exclamación en el título, el Museo de Arte Moderno de Varsovia expone (hasta el 3 de mayo) arte femenino desde el Renacimiento hasta la actualidad con “La cuestión de las mujeres 1550-2025”.
“¿Por qué no hubo grandes mujeres artistas?” fue preguntado en la década de 1970
Ante las numerosas “exposiciones femeninas”, ¿sigue surgiendo la “cuestión femenina”? Cincuenta años después de la primera gran exposición-investigación sobre mujeres artistas de 1550 a 1950, comisariada por las historiadoras del arte Ann Sutherland Harris y Linda Nochlin, esta última autora del ensayo “¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?”, ¿todavía son tardías o son superfluas?
No hay duda: aunque la visibilidad de las artistas femeninas ha aumentado claramente, siguen estando muy infrarrepresentadas tanto en los museos como en el mercado del arte. El porcentaje de artistas femeninas suele ser de un solo dígito, y no sólo en las colecciones históricas. Un análisis actual, aunque preliminar, de la colección del MoMA revela una importante brecha de género: aproximadamente el 18 por ciento (ni siquiera una quinta parte) de las obras examinadas son de mujeres. Según el “Sotheby’s Insight Report 2025”, las ventas globales de artistas femeninas en el sector de las subastas se han más que duplicado en los últimos seis años, pero, con poco menos del 14%, siguen siendo significativamente más bajas que las de sus colegas masculinos.
Las galerías comerciales en el mercado primario son las que más se acercan a la igualdad de género. Según el actual “Art Market Report” publicado por la feria de arte Art Basel y el banco UBS, el porcentaje de artistas femeninas representadas se sitúa actualmente entre el 41 y el 46%. Se sabe que las causas de esta desigualdad tan arraigada no son naturales, sino sociales y sistémicas.
El pueblo “detrás del maestro”
De ello se deduce que las “exposiciones de mujeres” siguen siendo una herramienta importante y necesaria, en la conciencia crítica de que el género como criterio puede estabilizar y cuestionar las relaciones patriarcales. Aunque esta contradicción proporciona a algunos artistas el argumento para rechazar fundamentalmente la participación en “exposiciones de mujeres”, se podría argumentar que esta paradoja tendrá que soportarse hasta que se logre la igualdad real y la “cuestión de las mujeres” ya no surja.
Para los críticos que cuestionan el género como criterio para insistir sólo en la calidad, la innovadora exposición “Making Her Mark: A History of Women Artists in Europe, 1400-1800” en Baltimore y Toronto pudo abrir una nueva perspectiva. Allí se ha presentado una enorme variedad de contribuciones artísticas de los “creadores” en una amplia variedad de medios, más allá de la distinción jerárquica y estereotipada entre bellas artes y artes decorativas.
Dagmar Korbacher, directora del Kupferstichkabinett de Berlín, formula una idea similar. Aboga por una reconsideración del concepto de calidad: “Es hora de considerar si otras cualidades además de las definidas por los hombres (Vasari, etc.) entran en juego en las obras de las mujeres y, por lo tanto, el concepto de calidad en el arte podría definirse de una manera nueva, más diversa, más participativa y más abierta”. Desde la perspectiva actual, es importante “abordar el trabajo colectivo y la práctica de laboratorio, así como las personas detrás del máster”.
A pesar de estos avances, existe el riesgo de que las “exposiciones de mujeres” se utilicen como eventos de coartada para cultivar una imagen, especialmente si los debates sobre cuotas puras reemplazan a los debates sobre el contenido. Sin una política correspondiente de adquisición y dotación de personal que conduzca a un cambio duradero en la formación del canon, persiste la sospecha de un simple “lavado de mujeres”, un gesto simbólico sin consecuencias. La atención al tiempo no es suficiente si no se traduce en cambios estructurales.
Otra reserva está en contra de un enfoque unidimensional sobre el género. Las biografías artísticas y las condiciones de producción siempre están determinadas por la clase, la etnia y la sexualidad. Aquí es precisamente donde radica una oportunidad: combinar discursos académicos como los estudios de género y los estudios poscoloniales puede ayudar a hacer visibles las relaciones estructurales de poder en lugar de producir nuevas exclusiones.
Las “exposiciones de mujeres” pueden, en el mejor de los casos, ser espacios en los que estas superposiciones se reflejen y se vuelvan productivas. Esto se logra de manera impresionante en el trabajo de la artista afroamericana Kara Walker, cuyas nuevas siluetas se pueden ver en la galería Sprüth Magers de Berlín y que será honrada con una retrospectiva en el MoMA el próximo año.
Incluso los centros de exposiciones más pequeños y regionales demuestran lo necesario que sigue siendo el debate. La Städtische Galerie Berlin-Pankow amplió el tema de la exposición “Mujeres en el arte y la historia del arte” con una comparación entre Oriente y Occidente. Las dos comisarias Angela Lammert y Annette Tietz resumieron la situación: “En un momento en que palabras como ‘género, sexualidad, no binario, raza, diversidad’ o simplemente ‘mujeres’ están prohibidas en otros lugares, una vez más queda claro que la visibilidad de las mujeres en el arte aún no es un hecho”.
A la frecuente acusación de excesivo “insomnio” o de “corrección política” se contrapone también un riesgo más grave: el de un retroceso emancipatorio. En tiempos en que los logros culturales y sociales se cuestionan abiertamente, retirarse de esos debates parece más peligroso que intensificarlos.
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