La historia del arte nos ha transmitido la idea de que el Renacimiento fue sólo la época de la gracia apolínea y que, en estos mismos años, entre los siglos XV y XVI, detrás de la dulzura marmórea de Venus, la sonrisa de lo monstruoso y la cruda realidad se apresuraron a tomar protagonismo. La exposición “Belleza y fealdad. Caricatura ideal, real en el Renacimiento”, en la Galería de Italia de Piazza della Scala (hasta el 18 de octubre), revela este fascinante cortocircuito visual. Organizado con pasión por Chiara Rabbi Bernard con la coordinación de Gianfranco Brunelli, nació de la colaboración con el Bozar de Bruselas (donde estuvo repleto de visitantes): para esta etapa milanesa, el itinerario se divide en más de un centenar de obras entre esculturas, pinturas, dibujos y manuscritos, que se mueven bien en la ambigua frontera entre la belleza y su contrario. Nos recibe en un ambiente elegante diseñado por Studio Lucchi & Biserni, el grupo Tres Gracias, préstamo excepcional de los Museos Vaticanos junto a la Afrodita del Museo Arqueológico de Nápoles. No muy lejos de allí, se expone una de las piezas más increíbles: un dibujo de Pontormo, también dedicado a las Tres Gracias, de los Uffizi. Esta exposición comienza, por tanto, con notables préstamos de museos de todo el mundo, que ilustran el razonamiento estético que llevó a cabo el Renacimiento comparándose con los antiguos. Hay que tomar como modelo las estatuas clásicas, pero también lo inquietante, lo inesperado y lo grotesco de la recientemente descubierta Domus Aurea: los artistas del Renacimiento no fueron indiferentes a estas “fantasías visuales” (véase el peludo Sileni) y también ellos comenzaron a diseñar obras “magníficamente feas”. En el retrato, la comparación entre los dos polos, la belleza y la fealdad, aparece aún más: Simonetta Vespucci, encarnación de la gracia ideal de Botticelli, proporciona un contrapunto al crudo realismo de ciertos retratos masculinos. Podemos divertirnos, en la exposición, buscando a los bufones, a los enanos, a los bufones: representan la fealdad como un “monstruo”, o el prodigio extraordinario, no necesariamente algo negativo. Las hay “feas” que hipnotizan, como el busto de mujer llegada de Dijon de Lorenzo Lotto (obra que merece por sí sola una entrada a la exposición) y otras “hermosas” que encantan, como La mujer con una manzana de Tiziano. La sección adyacente, dedicada a la cosmética de la época, entre espejos y clips, es otra joya.
En la segunda parte del viaje, vemos cómo el manierismo rompe espejos: gigantes como Leonardo da Vinci y Alberto Durero sienten el potencial de la deformidad, codificando una desafiante “hermosa fealdad” con dignidad autónoma.
Una de las salas más interesantes de esta imperdible exposición está dedicada a esta tendencia que luego termina en parejas no coincidentes, es decir, viejos y jovencitas traviesas. El contraste pone de relieve una estética paradójica de la que los maestros nórdicos son intérpretes incomparables.
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