París
Una exposición extraordinaria cuenta – al Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, hasta mediados de marzo; coordinado por Suzanne Pagé – la obra y la vida de Alberto Giacometti (1901-1966), uno de los más grandes escultores de nuestro siglo. Sencilla, lineal, sin florituras, esta obra y esta vida; marcada, la primera, por unas cuantas obsesiones recurrentes -el rostro, el espacio, el silencio y la distancia que envuelven la epifanía de la realidad-, durante los veinte años de su tensa madurez, desde el 46 hasta el año de su muerte. Y la vida, encerrada también en algunas cosas auténticas, que, contadas de nuevo, suenan cercanas a la retórica y no eran, para él, más que verdades.: Annetta, la madre, guardián de sus raíces en el valle alpino -un valle de habla italiana, Val Bregaglia, en el cantón suizo de Graubünden- donde nació y al que regresó regularmente a lo largo de su vida. Diego, el hermano, con quien compartió su trabajo diario, y a quien siempre tuvo como compañero y primer modelo. Annette, su esposa, que por extraño destino tenía el mismo nombre que su madre. El taller de la calle Maindronfinalmente, lo que le parecía, cuando era joven, estrecho y temporal, y que, por el contrario, seguirá siendo el lugar exclusivo de su trabajo, pareciéndole cada día más vasto e indispensable.
maestros
Alberto Giacometti más allá de sus narices
Anaïs Ginori
Trescientas obras componen la exposición única de hoy: esculturas, pinturas, dibujos. Desde el principio, en los 13 y 14 años, avisos de una fuerte vocación ya al final de la infancia; una vocación protegida por su padre, pintor, de quien Alberto recordará con emoción la infinita bondad del alma. Hastaúltimo broncerealizado por Diego poco después de la muerte de su hermano: el tercer retrato de Lotario sentado, una máscara herida y áspera, tan dolorosa como pocas veces lo había sido su escultura, ojos hundidos vueltos hacia arriba, decididos a escudriñar las sombras de la otra vida, después de la de aquí.
Otoño 19: “¿Quieres ser pintor?” me preguntó mi padre. Pintor o escultor, respondí.” Se abre así para Alberto otro curso de estudio, que pesará más que el‘Escuela de Bellas Artes o la Escuela de Artes y Oficios de Ginebraquien fue testigo brevemente de las enseñanzas de su padre y sus amigos, entre ellos Cuno Amiet y Ferdinand Hodler; tras la confusa estela de una simbolismo casado, pero no ignorante, con el expresionismo alemán Cézanne.
A partir de 20 es el primero de los viajes a Italia, donde completa todos los pasos canónicos: Venecia, con la Bienal pero también con Tintoretto; paduacon Giotto y Donatello; Florencia, Asís, Roma -donde permaneció varios meses-, Pompeya y Paestum…En 22, finalmente es un París, donde tendrá lugar toda su historia principal.
Historia
El arte de amar. Él, ella y Giacometti
Marco Belpoliti
Allí vivió, primero, en el taller de Archipenko, mientras asistía a la Las conferencias de Bourdelle. Y esto basta para decir cuán inmediatamente disponibles estaban para Giacometti, uno al lado del otro. dos lenguajes de la escultura de esta época: la “moderna”, que reunió cubismo y primitivismoy el que hizo de las “viejas” artes plásticas de Maillol una alta universidad.
Osciló, a lo largo de los años veinte, entre estas dos tensiones: encontrando a veces resultados ya notables, en ambos registros (el Mujer Cuchara a partir de los 26, por ejemplo, un cuerpo femenino reducido a su vientre ahuecado; y, por el contrario, los retratos de mujeres todavía firmes del año siguiente); pero sobre todo ya identifica algunos temas formales a los que volverá continuamente a medida que madure: la frontalidad y el carácter hierático de la imagen, y la necesidad de comprimir el volumen en el plano.
El bronce sin vender de Giacometti asusta al mercado del arte
por Enrico Franceschini
Mientras con el bola colgante, en la primavera del 30 se abrió a Giacometti otro camino que, por la manera deslumbrante con que se abría ante él, parecía destinado a detenerlo para siempre. Dentro de una jaula abierta, la esfera de yeso gravita inciertamente sobre una base curva, casi una luna creciente: la estructura de la obra, sus elementos de código, siguen siendo los de una escultura abstracta con una larga tradición; pero lo nuevo es este precario equilibrio alcanzado por los elementos individuales y este sentido alusivo, casual y lúdico que se trasluce. Dalí y Bretón lo ven expuesto en una galería parisina e inmediatamente declaran su gran entusiasmo; Dali adquirió una variante del mismo y predijo su papel como prototipo de estos “objetos con función simbólica” que producirían los surrealistas; bretón Siempre guardará otro ejemplo en su oficina.
Giacometti forma así parte del grupo surrealistacon quien expone, y con quien comparte por un momento sus ideas entusiasmos “revolucionarios”. Sin embargo, mientras inventa objetos y esculturas según las peticiones de sus nuevos amigos (elegidos y expuestos, con precisión y parsimonia en la exposición de hoy), sigue siguiendo su propio pensamiento interior: hasta que le escuchamos murmurar que todo este ruido se le ha vuelto sospechoso (la masturbación, dice), y que su única esperanza es ahora “crear una cabeza humana”.
Ante esta “herejía”, la solidaridad ofrecida por el Papa a Giacometti se derrumbó polémicamente. movimiento bretóny comienza este tiempo de absoluta concentración interior, a menudo de ardiente soledad, que prepara los grandes años venideros. Ahora pasa todo su tiempo delante de la modelo, con la esperanza de llegar a un nodo secreto, el alma oculta del personaje. Un verano, en la casa situada encima del paso de Maloja, pintó los dos cuadros que marcaron su renovación: La manzana del aparador y La madre.
Es “el volver a la figuración“, por lo tanto: incluso si esta fórmula tan difundida puede en definitiva decir tan poco sobre la sustancia de este cuadro. De este fruto allí levantado, desnudo y solo en el plano lejano de la pose, rodeado de una penumbra lívida, unida a su lugar por el cruce envolvente y obsesivo de las ortogonales, que se levanta ante nuestros ojos diciendo sólo su desesperada necesidad de verdad. De la madre: inmóvil y frontal, herida por los signos que arrancan cruelmente su rostro, hasta convertirlo en una máscara antigua, un dios tetragonal silencioso y cerrado, silencioso y eterno como el hielo y las rocas de sus montañas;
fue el 1937: Pasarán diez años más antes de que, a partir de estas premisas, la poesía más elevada de Giacometti florezca libremente en el espacio. Mientras tanto, una multitud de pequeños, a veces números muy pequeños, tan pronto como los tocamos en el yeso, éste se eleva hasta la parte superior de bases infinitamente más grandes que ellos: es la manera del escultor ahora – especialmente durante los años de la guerra – alterar el estatus de las estatuas y con ellas las disposiciones visuales normales del cuerpo humano. Finalmente, entre el 46 y el 47, con cierta notoriedad y al mismo tiempo en el dibujo, la pintura y la escultura, aparecen las grandes figuras de mujeres de pie, se inaugura la serie Walking Man, y poco después la de los bustos, tantos temas que perdurarán, con algunas modificaciones, hasta el final.
Largos filamentos de signos y de luz que ondulan en el espacio, estas figuras son la imagen de lo que queda para Giacometti, en sus ojos y en sus manos, de esta verdad última de la condición humana que ahora busca. Es esta escasa concreción de yesoentonces di bronce, que se levanta tembloroso del suelo, como buscando la palabra, todo “lo que queda”, escribió Escoba, “cuando el hombre se ha encerrado en sí mismo, en lo más profundo de sí mismo, como cuando el mar retrocede y abandona la orilla”. Las cabezas de estos personajes permanecen y serán cada vez más pequeñas en relación con el cuerpo: esto será para indicar su infinita distancia a partir de hoy; su separación, su ser absorbidos en un espacio muy alejado del de nuestra experiencia cotidiana.
Figuras que parecen salidas de una época muerta, se ha dicho; tal vez sería mejor decir: de un tiempo desconocido y suspendido, en en equilibrio entre pasado y presente, todavía ajena a la actualidad. Figuras que aún no expresan dolor –como lo harán algunas de las obras posteriores de Giacometti; sino la angustia de un pensamiento que persigue, sabiendo que nunca lo alcanzará, el fin inaccesible de lo absoluto.
En pintar, a su alrededor se cavan espacios cada vez más grandes; espacios que un andamio de perspectiva frenético y roto dibuja vacíos, inmensos, resonando alrededor de las siluetas, borradas por un signo que regresa, de Diego, de Annette, de la madre: es de nuevo, este vacío majestuoso y envolvente, la distancia, el silencio, el de larga duración que Giacometti sitúa entre su mirada sobre el sujeto, el recuerdo del mismo, transfigurado, y la presencia distinta que finalmente logra ese sujeto en la obra; la distancia que le permite, durante un momento milagroso, tocar su verdad que ya no es contingente.
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