ROMA – Veintiocho años después de la película ganadora del Oscar sobre el Bardo enamorado, Shakespeare enamorado, Chloé Zhao trae a la pantalla el momento más conmovedor en la vida del autor de Stratford-upon-Avon. Basado en la novela de Maggie O’Farrell, Hamnet sitúa la muerte del hijo de once años de Will en el centro de la narrativa (Pablo Mescal) y su esposa Agnès (Jessie Buckley de la estatuilla), figura lateral en los documentos históricos y central en la elaboración de este duelo que el hombre agitado y no sólo físicamente ausente es incapaz de compartir. La creación artística no se presenta como una sublimación, sino como una necesidad tardía casi inevitable. Nominada a ocho premios de la Academia, incluyendo Película, Director y Actriz Protagónica.
¿Por qué adaptar la novela de O’Farrell?
“Es un libro hermoso que habla sobre el amor, la muerte, pero también la metamorfosis. Cómo el arte puede transformar estas experiencias humanas fundamentales. Y estaba en un momento de mi vida en el que estaba empezando a cuestionar mi papel como narrador. Así que esta historia me pareció la adecuada para explorar. »
¿Qué relación tiene con Shakespeare?
“No soy un gran experto. Mi primera experiencia tuvo lugar en la escuela secundaria de Los Ángeles, con señora macbeth. Me encanta el lado simbólico y de “brujería” de Shakespeare. Siento que estaba conectado con algo más grande y él nos lo tradujo.
Hizo películas muy diferentes, incluso en cuanto a género. ¿Existe una base común?
“Las tres primeras películas que hice trataban en gran medida sobre el dolor y la pérdida, sobre personas que pierden su sentido de identidad y, a través de un proceso de catarsis, aprenden quiénes son realmente. Las dos últimas, Eternos Y Hamnet son diferentes. Hamnet Sí, se trata de duelo, pero en última instancia se trata de metamorfosis. De la capacidad de sublimar la experiencia humana, de pasar de un extremo al otro y llegar a una condición de unidad, en la que la ilusión de separación ya no exista. Vida y muerte: todo lo que vive debe morir, pasando de la naturaleza a la eternidad. En este caso, por el art. La idea es que la capacidad de rendirse a las experiencias más difíciles de la vida proviene de ser uno con la naturaleza, con la gente del teatro, con el medio ambiente. »
“Hamnet”, Shakespeare y el dolor de un padre. La opinión de Alberto Crespi
por Alberto Crespi
El arte parece crear primero una distancia y luego tal vez construir un puente. ¿Es esto algo que usted ha experimentado personalmente?
“Experimenté el poder alquímico de la creatividad: salvó mi vida, curó mi psique, me sacó de un profundo dolor. Dio sentido a mi dolor y sufrimiento, me hizo crecer espiritualmente. Creo que el arte auténtico nace sólo de un trabajo interior que hace del artista un canal consciente; sin esto, el riesgo es proyectar traumas no resueltos en la obra. No creo en el mito del artista que debe permanecer en el sufrimiento para crear: la creación proviene de la intuición, no de la restricción. dolor.”
El final en escena de Hamlet es muy poderoso.
“Nunca sé cómo terminará una película. Pido a los actores que permanezcan en esta tensión entre el consciente y el inconsciente. Jessie no sabía que iba a gritar, no se lo dije. Este dolor era colectivo. Así es como nuestros antepasados contaban las historias: chamanes, curanderos, llevando el cuerpo a un límite del que emergía la historia. Me interesan estas antiguas tradiciones. Cuatro días antes del final del rodaje en el Globe Theatre, no tenía el final: Hamnet no estaba en el escenario, No hubo catarsis. Filmamos esta versión de Jessie y sabía que no estaba funcionando. En ese momento, yo también estaba experimentando el final de una relación. Sobre la naturaleza de la luz del día de Max Richter, versión cantada. Esto me llevó a un estado de unidad, entendí que el amor no muere, se transforma. Fue el final. Durante cuatro días trabajamos en esta música, como un mantra. Da miedo no saber si una película tiene un final, pero es en esta tensión extrema donde nace la creatividad”.
La película explora la idea de lo femenino, ligada al misterio y la brujería. ¿Es el arte una forma de brujería?
“Sí. Es una versión ‘traducida’ de esta sensibilidad, como hizo el cristianismo con las religiones paganas. Son todas narrativas. Inés ve lo que otros no ven, reconoce patrones, lee a las personas con energía y deja que el entorno hable a través de ti. Si encontramos este equilibrio dentro de nosotros mismos, tendremos menos problemas.
¿Cómo trabajaste con Jessie Buckley?
“La mitad del tiempo con ingenio, la otra mitad con gentileza. La mitad del tiempo desaparecía, dejándola sola, y la otra mitad intentaba sostener el contenedor, para que ella y el resto del elenco se sintieran seguros y pudieran servir como conductos para sus personajes. Pero aprendí mucho de ella. Él me presentó el trabajo de mis sueños, que cambió mi forma de trabajar, mi vida, incluso lo trajimos al set de Hamnet. Fue realmente un intercambio, una interdependencia”.
Sus películas están llenas de energía, vibración, siempre en conexión con la naturaleza. ¿Cómo te sientes cuando te das cuenta?
“Muy a menudo estoy exhausta. Emily Watson dice que Jessie y yo nos volvemos como pararrayos: el cuerpo transmuta energías. Es agotador, pero es una fatiga suave, como el parto. El dolor y el placer están muy cerca. »
Es muy libre en su trabajo, pero tiene que lidiar con Hollywood, la industria. ¿Cómo se las arregla para mantener todo junto?
“A veces lloro y me dejan hacer lo que quiero. Bromas aparte: todo depende de la elección inicial. Al principio, nunca finjo. Inmediatamente digo quién soy y qué quiero hacer. El ochenta por ciento del trabajo está ahí. La libertad entonces sólo existe en un contenedor. Sin un contenedor, es el caos. En el set, necesito estar contenido tanto como contengo a los demás. Cuando el contenedor es sólido, puedes profundizar. Esta es la verdadera libertad”.
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