La exposición en Baden-Baden muestra 60 años de fotorrealismo

Su nombre es Phil y mira con los ojos muy abiertos a los espectadores justo en la entrada. El monumental retrato en blanco y negro no era especialmente favorable, pero el compositor Philip Glass se había sometido al despiadado escrutinio microscópico de su amigo Chuck Close, ¿tal vez porque fue sólo uno de los muchos sujetos de estudio entre los “Heads” entre 1968 y 1970? Hubo otros modelos famosos como el escultor Richard Serra. Otros se llamaban John o Georgia, eran amigos, suegros, hijas, esposas.

Close la puso frente a la cámara en su estudio de Nueva York y la fotografió de frente. Luego, a lo largo de meses, repintó el resultado adecuado, que para él representaba el “mapa de su vida”, utilizando una rejilla, una pistola y un pincel. Cada uno de los rostros penetrantes y realistas mostraba todas las imperfecciones sin protección, pero nada más. Close no estaba interesado en la psique de la persona retratada. La búsqueda de la perfección fue el centro de atención, estimulada por el monstruoso gran formato, que sorprendió y sigue sorprendiendo en la exposición “Competencia con la realidad” en el Museo Frieder Burda como preludio de un viaje de estímulos superficiales mágicamente sobrenaturales y motivos banales.

Close es uno de los fotorrealistas más importantes de Estados Unidos, aquellos virtuosos de primera generación que lograron la transferencia casi mecánica de modelos fotográficos a la pintura con una atención obsesiva al detalle y una evidente habilidad técnica, con el objetivo aparentemente prematuro de volver a la naturaleza figurativa y al dominio de la pintura sobre tabla. Antes del apogeo del fotorrealismo, también conocido como hiperrealismo, los pintores evitaban las fotografías como herramientas, con los expresionistas abstractos a la vanguardia, para quienes los gestos espontáneos y el poder del azar eran famosos por ser sagrados.

No es la única mujer entre las pioneras del fotorrealismo. A Audrey Flack se le une Chuck Close en “Lady Madonna” de 1971. Además de las estatuas españolas de la Virgen María como motivo favorito, combinó motivos barrocos de fugacidad con elementos de la cultura pop, distinguiéndose así de sus colegas masculinos. Entre ellos se encuentran Richard Estes con su fría mirada a las escenas callejeras de Nueva York, las vistas interiores de restaurantes de comida rápida de Ralph Going y los bodegones de botellas de ketchup, los antisépticos idilios suburbanos de Robert Bechtle, los restos de coches desechados de John Salt o las ingeniosamente compuestas secciones de fachadas de edificios, letreros de neón y escaparates de Robert Cottingham, todos ellos servidos en la colección de la planta baja, estructurada temática y cronológicamente de manera bastante predecible, algunas obras extrañamente colgadas por Gerhard. Richter y un gabinete dedicado a Karin Kneffel en el que crea sus realidades pictóricas muy personales.

A ellos se unen los grandes motociclistas de Malcolm Morley. El inglés, que vive en Nueva York, pasó de la pintura abstracta al fotorrealismo basado en modelos en 1965 y es considerado el fundador de la dirección. O las coloridas incursiones de Charles Bell en los chicles y las máquinas tragamonedas. Por supuesto, estos entusiastas de la lectura fácil de la vida cotidiana, a quienes Harald Szeemann desplegó la alfombra roja en Europa a más tardar en 1972 con su documento 5, no estuvieron exentos de influencias. Había desde latas de sopa y detergentes Pop Art hasta los viejos maestros, especialmente los holandeses, con sus naturalezas muertas e interiores, en los que la mirada se dirigía inmediata e inevitablemente hacia platos de plata brillantes o cortinas acentuadas hipertróficamente.

Pero Daniel Zamani, curador y director artístico, describe mucho más que la fase clásica del movimiento. No siempre se cuestiona de manera convincente el peligro de arriesgar una diferencia de calidad entre noventa obras de hace sesenta años cuando se intenta rastrear a los herederos activos hasta el día de hoy, porque cuanto más se avanza en los dos pisos siguientes de esta abrumadora procesión, que cada vez más degenera en un espectáculo performativo, menos productivos son los ecos y las variaciones de un fenómeno que ya está canónicamente consolidado desde hace algún tiempo.

Cuando, por ejemplo, Raphaella Spence, nacida en Londres en 1978, denuncia la contaminación del mar en “Harry Potter y sus amigos” de 2025 con muñecos de plástico dispuestos en un charco de agua entre envoltorios de caramelos, hay que pensar fuera de la caja de la historia del arte para disfrutar de su crítica al consumismo, tan inofensivo como decorativo. Esto también se aplica a las brillantes latas de metal de Pedro Campos, nacido en 1966, así como a las ornamentales tazas de porcelana cargadas de frutas de Alexandra Averbach, nacida en 1981, que amenazan con volcarse a la luz del día. Craig Wylie, nacido en 1973, se contenta con emular explícitamente los retratos de gran formato de Chuck Close, con la pequeña diferencia de que copia sus modelos fotográficos desde la pantalla del portátil, añadiendo así el efecto de una caja de luz.

Aunque estas nuevas variedades, en las que a veces las pinceladas ya no son reconocibles, hacen un uso ejemplar de las últimas técnicas fotográficas, programas de procesamiento de imágenes digitales y simulaciones de inteligencia artificial utilizando innumerables modelos, no están a la altura de las actuales imposiciones del capitalismo tardío. Así que mejor sumergirse en los ideales panoramas urbanos y en los espacios arquitectónicos sorprendentemente desiertos del artista británico Ben Johnson, a los que se dedica desde hace más de cincuenta años. “Nunca pretenden ser retratos de un edificio”, dice, “sino que el tema se utiliza como objeto de meditación. Veo todas mis pinturas como una invitación a un viaje”. En realidad, esto puede resultar liberador; no hay obligación de superar a los demás. Sólo para agudizar el sentido de la vista y ceder al deseo de engañar.

Competencia con la realidad. 60 años de fotorrealismo. Museo Frieder Burda, Baden-Baden; hasta el 2 de agosto. El catálogo cuesta 39 euros.