Harry Partch fue un músico estadounidense de principios del siglo XX que intentaba encontrar su camino como compositor, en un periodo histórico en el que todos los cánones de la llamada música clásica estaban siendo puestos en duda. Se había fijado un objetivo bastante modesto: destruir el sistema en el que se basaba la música occidental. En pocas palabras, quería cambiar las calificaciones.
Do re mi fa sol la si. No más medios tonos. Doce en total. La pregunta que subyacía a su razonamiento era muy simple pero también increíblemente complicada: ¿por qué?
¿Por qué hay doce notas en una octava? No pudo darse una respuesta satisfactoria. Entonces decidió buscar otros nuevos. Comenzó a estudiar las tradiciones musicales del mundo antiguo y descubrió que muchas civilizaciones habían dividido la octava de formas completamente diferentes, percibiendo intervalos que el oído occidental moderno ni siquiera estaba entrenado para reconocer. Había espacios sonoros entre una nota y otra. Intersticios que el sistema templado, el de doce semitonos iguales establecido por Bach a principios del siglo XVIII, simplemente había ignorado. El rango de Partch va así de 12 a 43 notas. Las llamadas microtoneladas. Sonidos que ciertamente existían, pero que la civilización occidental había fingido educadamente no escuchar durante varios siglos.
Estas notas, sin embargo, no estaban ahí para ser redescubiertas. Había que construirlas literalmente, en el sentido más artesanal y concreto del término. Ningún instrumento existente era capaz de tocarlos.. El piano, el violín, los instrumentos de percusión e incluso el órgano eran cómplices del antiguo sistema. Colaboradores tortuosos y desesperadamente enojados. No podíamos confiar en ellos, tuvimos que empezar de cero. Como gran individualista, él mismo lo pensó. Comenzó a construir sus propios instrumentos, inventando cordófonos, instrumentos de percusión y teclados que no se parecían a nada que hubiera visto antes. Los bautizó con nombres evocadores y vagamente mitológicos: los cromolodeonEL Cuadrangular invertidoEL Cuencos de cámara de niebla etcétera. El resultado fue toda una orquesta, construida por un solo hombreinterpretar música que nadie más podría haber tocado.
Nadie podía tocarlo y nadie quería escucharlo. De hecho, el nuevo estilo de composición de Partch No tuvo mucho éxito y no sacudió mucho los cimientos de Occidente.. La Gran Depresión, que afectó a Estados Unidos y al propio compositor, contribuyó mucho más. De 1936 a 1943 vivió como un vagabundo, viajando en tren y haciendo autostop por la costa oeste de Estados Unidos, sin renunciar nunca a su vocación de compositor. Sin embargo, de este deambular nació una de las obras que lo harían famoso: barstow. El título toma su nombre de un pequeño pueblo de California donde Partch se encontró con una barandilla al borde de la carretera cubierta de escritos dejados por otros viajeros anónimos. Nombres, destinos, ráfagas, llamadas. Los copió a todos. Estos garabatos olvidados se convirtieron en el libreto de una ópera de ocho secciones, recitada y cantada ante su orquesta de instrumentos modificados. Porque nada expresa mejor la alienación moderna y la crisis del capitalismo estadounidense que copiar literalmente un graffiti de una pared en medio de la nada y transformarlo en música microtonal. Uno de los primeros versos dice esto: Son las cuatro de la tarde, tengo hambre y estoy arruinado. Ojalá estuviera muerto. ¡Pero hoy soy un hombre!
En la década de 1960, el trabajo de Partch finalmente emergió de las sombras de los círculos académicos y golpeó donde menos se esperaba: el rock de vanguardia. Músicos como Frank Zappa y Captain Beefheart lo descubrieron y se contagiaron. Décadas más tarde, Tom Waits también explotaría esta veta. Cada uno tomó algo de su estilo. El uso de la disonancia por parte de Zappa y Beefheart se transforma en una especie de blues blanco y retorcido, mientras que Waits encuentra su marca en la aspereza del tono. Las microtoneladas, sin embargo, quedaron fuera. Doce notas fueron suficientes para la humanidad y así volvió a las sombras del silencio, donde permaneció por algunos años. Reaparecieron en un lugar inesperado: Canadá.
A finales de los años 80, otro músico quebequense se hizo cargo de la experimentación microtonal y la llevó en una dirección completamente nueva. Su nombre es René Lussier. Guitarrista, compositor y agitador cultural incansable, Lussier es una figura central de la escena musical de vanguardia de Quebec. Su obra más representativa, Le Trésor de la langue, es una obra monumental que entrelaza la experimentación sonora con una profunda reflexión sobre la identidad cultural y lingüística de la Francofonía quebequense. Aquí también existen herramientas caseras para capturar los esquivos cuartos de tono. Aquí también hay voces recogidas en otros lugares y replantadas en la partitura como fragmentos de la memoria colectiva. Entre ellos, el del general Charles de Gaulle que, el 24 de julio de 1967, desde el balcón del ayuntamiento de Montreal, gritó ante una multitud delirante la frase que sacudiría al Estado canadiense: “¡Viva Quebec libre!” “. Cuatro palabras que transformaron una visita de Estado en un incidente diplomático internacional en apenas unos segundos. Lussier las toma de la historia y las devuelve a la música, no como una cita retórica sino como materia sonora en bruto: la voz de De Gaulle se convierte en un instrumento entre otros, su francés cargado y solemne se ajusta a las mismas reglas microtonales que las guitarras y los instrumentos de viento artesanales que lo rodean.
Llegamos así a nuestro tiempo. marzo 2026. Sucede lo inesperado. La microtonalidad, la misma que persiguió Partch construyendo él mismo los instrumentos y que Lussier utilizó para fomentar las revueltas independentistas en su país, se está volviendo viral en YouTube. El mérito es de otro grupo quebequense: el Angina de pecho. Forman un dúo, uno a la batería y otro a la guitarra/bajo. Realizan principalmente música instrumental, aunque de vez en cuando aparecen versos que parecen venidos de otro planeta y que podrían recordar los grabados por su conciudadano Lussier. Su música es un rock con un sonido muy compacto pero a la vez visionarioconstruido sobre ritmos extraños que desplazan continuamente el centro de gravedad en el que se injertan los microtonos de nuestros amigos. También en este caso construyeron ellos mismos los instrumentos, modificando los teclados de la guitarra y el bajo para obtener espacios menores a un semitono, con el fin de contener los cuartos de tono que el sistema de templado había prohibido. El resultado es un sonido evocador y altamente hipnóticopero también terriblemente bailable gracias a las excelentes habilidades técnicas de los dos, que logran montar este exótico rock progresivo con la gracia de quien transforma cada nota en un paso de baile.
Hace unos días se lanzó su segundo disco, Vuelo. IIlanzado por una transmisión en vivo que recorrió la web. Su presentación en vivo en la radio KEXP se volvió viral de inmediato, gracias a su inesperado estilo musical pero también a su presencia en el escenario. Ambos siguen apareciendo en el escenario. completamente vestida con lunares blancos y negros y usando dos máscaras grandes, vagamente alienígenas. El efecto visual inmediato es similar a su música: alienante pero también irresistible. El éxito de esta primera actuación oficial en YouTube fue tal que Angine pasó de ser un desconocido a boca de todos, generando millones de visualizaciones e incluso planeando una gira mundial que los llevará también a Italia, el 31 de mayo, al Festival Poplar Utopia de Rovereto. En definitiva, cien años después, la música microtonal parece vengarse. Fue necesaria la Gran Depresión, una cuadrícula de California, el discurso de De Gaulle y dos máscaras extraterrestres de Quebec para que los cimientos de Occidente realmente cedieran.
Sin embargo.
Pero una vez más, es natural detenerse a reflexionar sobre la rapidez con la que una música aparentemente innovadora fue asimilada con tanta celeridad y sin dificultad por el gran público. Nos preguntamos cuánto se debe a la calidad de la música en sí y cuánto se confía a la interpretación, hábilmente construida para generar acciones en las redes sociales. Los grandes cambios toman tiempo. La angina, por otro lado, se digería con la misma facilidad bulímica con la que uno consume una serie de televisión de bajo nivel llena de giros ingeniosamente construidos para hacerte comer también el siguiente episodio. El nuevo álbum, por muy interesante que sea, no añade nada a las canciones ya escuchadas durante la actuación en directo, lo que hace Me temo que no hay mucho más más allá del revuelo de unas semanas.. Un compositor mucho más famoso que sus predecesores, Leonard Bernstein, decía que la tarea del arte es plantear preguntas y que su valor reside en el contraste creado entre las diferentes respuestas. Pero aquí todo el mundo parece estar de acuerdo.
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