Organizar hoy una exposición colectiva con artistas queer para visibilizar su trabajo no sería una idea interesante. Muchos de ellos son visibles en todas partes, se celebran en los museos y contribuyen al canon contemporáneo. Menos conocidos, sin embargo, son los nombres de quienes hace unos cien años tuvieron que ocultar sus inclinaciones y contrajeron matrimonios ficticios porque la homosexualidad estaba castigada. La exposición de Düsseldorf “Queere Moderne” les prepara el escenario con contribuciones de 34 artistas del período comprendido entre 1900 y 1950. Algunas ciertamente son poco comunes debido a la falta de clase, pero también hay cierta mediocridad en el arte contemporáneo, que aún puede aportar algo interesante al espíritu de la época.
La exposición, comisariada por Isabelle Malz y Anke Kempkes, forma parte del programa de la colección de arte para pensar la modernidad y el presente de una manera más global y pluralista desde hace varios años. En la colección de clásicos esto significa, sobre todo, coleccionar, conservar y exponer de forma diferente que en los tiempos del director fundador Werner Schmalenbach, que miraba desde el Parnaso hasta la actualidad del mundo del arte, pero con ello garantizaba a la colección de arte un collar de perlas único, como él dice, con “obras maestras”. Un gran consejo asesor para una exposición como “Queer Modernism” habría sido completamente impensable para él. Pero a la inauguración acudió más gente que a la anterior exposición de Chagall, lo cual ya es decir; el catálogo ya se está reimprimiendo. Al espectáculo LGBTQ+ asiste un público joven e interesado (m/m/d), da la impresión de que muchos lo ven como una confirmación, incluso como un empoderamiento.
Escenas sáficas y mundos surrealistas.
El catálogo reconstruye redes personales en Londres, París, Nueva York, Berlín y Holanda; En la exposición, la metrópoli francesa constituye el centro. Estilísticamente muchas cosas parecen pasadas de moda, muy diferentes, en los capítulos sobre la “Arcadia moderna”, sobre la escena “sáfica”, es decir, lésbica, o sobre los “mundos surrealistas”, muchos artistas simplemente continuaron pintando de manera naturalista, simbólica, impresionista, sin preocuparse por la vanguardia dominante – como el neoyorquino Paul Cadmus, que en 1951, en la época del expresionismo abstracto, reúne en uno a dos jóvenes desnudos y muy bien formados. juntos dulce naturalismo en el baño.
A principios de siglo, los pintores se inspiraban en modelos como Paul Cézanne y en los topos de bañistas, como Ludwig von Hofmann con tres jóvenes en la “fuente” de 1913, colgada sobre el escritorio de Thomas Mann. Dame Ethel Walker y su “Excursión a Nausicaa” de 1920 pueden haberse inspirado en Puvis de Chavanne, mientras que en 1910 Marie Laurencin se apropió del cuadro clave de Picasso de 1907 “Las señoritas de Aviñón” y colocó “Mujeres jóvenes” en un paisaje cubista. Lotte Laserstein establece aquí el estándar pictórico: aparece frente al caballete con su compañera Traute Rose en 1929/30. Las dos mujeres expresan su afecto en tono melancólico cuando la extinta República de Weimar ya no representa una Arcadia moderna.
Algunos aspectos destacados de la exposición: Romaine Brooks recurre al simbolismo para su retrato de Margravine Casati, pero al mismo tiempo la pinta como una Ziggy Stardust. Jean Cocteau dibuja con encanto sus fantasías eróticas sobre un pinche de cocina de un hotel o el actor Édouard Dermit en un desnudo reclinado, que fácilmente podría confundirse con un dibujo de Warhol. De tamaño pequeño, pero de efecto grande, son las naturalezas muertas y los retratos del personaje andrógino y no binario llamado Gluck, nacido en Londres en 1895 como Hannah Gluckstein; eróticas, las plantas de Louise Janin, americana en París; El lamento del “dandy moribundo” del pintor danés Nils Dardel es teatral. Luego están los “Paisajes interiores” de Pavel Tchelitchew, preguntas sutiles sobre uno mismo. En 1947, el estadounidense nacido en Rusia pintó una cabeza, quizás la suya, como una imagen colorida de rayos X, llena de energía, la nueva y nerviosa persona de su tiempo.
También hay una extraña abstracción que señalar. El artista británico Marlow Moss pinta composiciones al estilo de Piet Mondrian y las integra con dobles líneas verticales para afirmar la igualdad de los sexos y contradecir a Mondrian: había definido las líneas horizontales y verticales como femeninas y masculinas, lo que ciertamente no es el punto fuerte de su obra. Conclusión: Es probable que veamos más de estos artistas en exposiciones monográficas en un futuro próximo.
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